摄影ABC(3) ------ 让你的照片变得更美
前文介绍了什么是数码相机，怎样选用适合自己的相机，怎样把照片拍清楚，这些都是“机”和“技”的问题，仅限于技术层面。但是，照片要使人乐意欣赏，要经得起时间考验，或者说要耐看，只是把拍摄对象表现清楚是远远不够的。说得俗一点，起码你的照片要让人看了感觉舒服；说得雅致一点，就是按快门时得讲究一些艺术性。这就是“艺”的问题了。有了合适的相机，再加上好的摄影技艺，才有产生好照片的机会。
说到艺术性，它和前面所说的技术层面那一套不同。技术层面，黑就是黑，白就是白，你的操作过程和结果是可以重复验证的。如果你的相机参数设置有误，曝光过度了，那你的照片一定会发白发灰，你的技术操作失误和你得到的结果之间有着必然的联系。
摄影的艺术性，说到底是人的审美情感所决定的，它在一幅照片的构图、光影、色彩、线条等因素的和谐中得到体现。但人的审美情感，并不像技术层面那样黑白分明。同一幅照片，A认为是美的，B也许并不赞赏。所以这“艺术性”三字，说起来就有点玄乎。
尽管人的审美情感各有不同，但人们都会赞美大海的壮阔、日出的瑰丽、生命的美好、梁祝爱情的生死不渝……说明人类文化总还有共通之处，还是有些规律性可寻的。因此，说起来玄乎，不等于它不存在。
对“艺术性”的阐释多种多样，我的理解是真善美的统一。真，就是符合实际，不作伪，尊重客观事物的真实性并探索其内在规律。善，是正义，是作品及其创作过程所体现的价值观有利于人类进步，而不是相反。美，就是通过你的创作使人们得到审美愉悦，而不是看了一次不想回头再看。
这些话，说得有点抽象。有人会说，不搞艺术创作，就拍几张日常照片，哪有那么多讲究。
呵呵，无独有偶。有个摄影协会的理事，曾经对我说，有资格参加影展的，才能叫摄影创作，你们那不叫摄影，你们只是拍照而已。在他眼里，摄影和拍照并不等同，一个是阳春白雪，另一个只是下里巴人。我不这样认为。在我看来，摄影就是影像拍摄，其作品包括静态的照片和动态的录像片、电视片、电影片等等，而最常见的作品形式就是照片，所以，广义的摄影，指拍照、拍录像、拍电视、拍电影等；狭义的摄影，等同于拍照。“创作”二字，也不特属专业作家、专业画家、专业摄影师……只要你按下快门，你就在创作，只是创作水平各有高低罢了。就算是拍一幅极普通的“到此一游”式旅游照片，同一场景，有的看起来人与景俱美，很舒服，而有的却会头顶塔、肩长树。差别在哪儿呢？原因不是相机高档还是低档，也不是拍摄技术的好坏，而是摄影者的审美能力有高下。如此而已。谁说拍几张日常照片就不用讲究艺术审美呢。不过，我不想在“艺术”二字上纠缠，所以，本文题目换了个说法，通俗一点吧。
真与善的问题，要说太长，暂且不表。就说说美的方面吧。一幅照片，怎样才美？我以为，在上一篇所说的成像清晰的基础上，主要注重下列几个方面：
一、构图
构图要点，我的体会是突出主体、抓住重点、简化背景、画面均衡、关系和谐。
突出主体，是一幅照片只能有一个主要拍摄对象，这个主体要置于视觉中心(不等于几何中心)，其他的只能是陪衬，不能平分秋色，更不可喧宾夺主。比如有人在西湖边拍晚霞，湖面波光鳞鳞，天空红霞灿烂。拍摄者为这美景所吸引，云霞也美，西湖也美，他舍不得放弃其中任何一项，于是把地平线置于中间，照片上云霞一半，湖水一半，观者不明白他究竟是要表现晚霞还是让人看湖面。其实，这种情况，完全可以换个方式拍摄。他可以多拍几张，用不同的照片，分别表现西湖晚霞之美。重点表现晚霞时，可以天空占据画面的2/3、3/4甚至4/5，以标志性的地面景物(比如保俶塔、雷峰塔之类)作为陪衬；重点表现西湖时，可以把地平线抬高，让波光鳞鳞的水面或晚霞的倒影作为主体，占据画面的主要部分，而以周边景物和少量天空作为衬托，若是湖面一角有艘小船，则更增添画面动感。
抓住重点，就是说，要把拍摄对象最重要的部分重点表现出来。比如拍摄人物或动物，必须把眼神充分表达好，不然，其他部分拍得再精细，这幅照片多半还是失败的。为什么呢？“眼睛是心灵的窗户”，眼睛拍好了，人物或动物就生动了嘛。又比如，参观北京故宫、天坛等地，肯定会拍一些古建筑照片。中国的古建筑，最大特点在哪儿呢？当然是它的屋顶。那些代表严格等级的屋顶规制，那些飞檐、斗拱、瓦饰……，是中国古建筑精华集中之处。如果你没有重点表现这些，拍天坛只见台阶和门框，拍天安门看不见气势恢宏的顶部，那你的照片算是白拍了。要做到这一点，你应当对拍摄对象事先有所了解。你越熟悉拍摄对象，你就越容易从纷繁复杂的现象中抓住事物的本质，那就是你要表现的重点。
背景简洁，可以使画面显得干净有序，而不是杂乱无章，也更有利于突出主体。摆拍就不说了，就是自然状态下的抓拍，只要时间允许，都应当多试几个不同角度，从中选取比较合适的背景，力求把那些与主体无关或产生干扰的物体排除于画面之外。此外，使用大光圈、长焦距，可以获得小景深，从而有助于得到简洁的背景。当然，有特殊要求的专业摄影另当别论，比如拍动植物图鉴或生境，那就需要如实记录，不宜为求简洁而舍弃必要的信息。
画面均衡，不是说左右上下必须对称，而是画面中物体的布局，要疏密有致，空间合理，左右上下轻重得当。不要一朵花把画面占得满满，不留一点空白；不要“到此一游”总把人物置于画面正中；不要一侧密不插针，另一侧空无一物。比如说，拍一朵花，你可以把花置于画面1/3处的黄金分割点或分割线上，偏左还是偏右可以根据花的朝向而定，原则上应当使花朵前方多留些空间，不要使人有面壁的感觉。又比如，前面列举的天安门照片，不但要拍到气势恢宏的顶部，而且上方必须留出较多的天空，别让屋顶碰到上方画框，否则势必给人以压抑感。这个细说起来话太多，点到为止。
关系和谐，指的是照片中人物与人物、人物与景物、景物与景物、主体与背景、前景与后景等各种关系要处理好，不要貎合神离，而是形离神合。举个简单实例，你在西湖边留个影，“到此一游”的意思，远处是保俶塔，你可以把塔置于画面右上方，把人物安排在画面左下方，人物面向塔的方向，或是左右相反也可以，依当时光照条件而定。这样的斜角式构图，人物和景物在形态上是分离的，在精神上则是呼应的，这就叫形离神合。相反，若是不加注意，人物居中，塔也居中，结果必然是人物和景物粘连一体，头顶石塔，看起来令人不舒服，这叫貎合神离，不和谐，对不？
二、用光
摄影用光，按其来源，有自然光和人造光；按其方向，有顺光、逆光和侧光，以及介于其间的不同组合光；按其照射方式，有直射光和漫射光。
很难说哪种光的优劣。但是摄影者要运用各种光线获得理想效果，前提是了解这些光的特性。
自然光，主要是日光，当然也不排除夜间的月光和星光。人造光，当然指灯光，包括各种外源的和摄影者自带的灯光。不同的光源，有不同的色温。即使同为日光，早晨和中午的日光，色温也是大不相同的。色温会影响到照片的色调，掌握不好会使照片发生偏色现象，比如把绿叶拍成黄叶。相机中的白平衡，就是为了调整这种色差而设置的一个功能。白平衡掌握得好，可以使你在任何光源下都得到接近真实的颜色，当然也可以利用白平衡的调节，有意拍摄偏色的作品，以表达某种创作意图。
顺光容易表现被摄对象细节，特别是利于捕捉人物或动物的眼神反射光，但容易平淡；逆光特别利于勾画拍摄对象轮廓，使主体与背景分离，但用得不当，易使主体偏暗；侧光利于表现质感，是摄影者用得最多的光线。再细分之，侧光也有顺侧与逆侧之别，侧的角度有大有小，在不同场景各有运用。
直射光为直接照射到被摄物体上的光线，在有遮挡的地方会产生阴影。直射光易于表现质感，感觉明快，但运用不当，会使人产生不自然的感觉，俗称为光线太“硬”。漫射光是没有明确方向来源的光，实际上是直射光经过多重反射，强度减弱、方向混乱的结果，比如阴雨天的室外光线就是如此。漫射光比较柔和，但运用不当则会使人感觉平淡。
三、色彩、线条
色彩、线条都是画面美观的要素。比如在一大片荷叶中，一朵小小荷花亭亭玉立，万绿丛中一点红，色彩的鲜明对比会给人以强烈的视觉冲击。一条蜿蜒的乡村小路，从照片的左下角延伸到右上角，再伸展到画面之外，柔美的自然线条给人以无限遐想。两条笔直延伸的钢轨，一把红红的圆伞，自然形成黑与红的色彩反差、直与曲的线条互动以及刚与柔的质感对比，也是很有意思的画面。我没有学过美术，讲不出多少道道，只是自己的一点感觉罢了。但我相信，端起相机时关注到这些，有意识地运用，有助于使你的照片看起来更美。
四、创新
科学必须严谨，可重复验证，你的假说才能成为定律。艺术则贵在创新，再好的东西，老是重复，就会使人乏味。所以上面说的种种，都只是一般规律，需要灵活运用，而不是机械照搬。比如按一般视觉规律，按黄金分割比例构图，比较适合人们欣赏习惯，大多数情况下，这样构图看上去确实比较舒服。但并不意味着每一幅照片必须按此构图。只要表达摄影者创作意图的需要，也可以主体居中，也可以极度偏于一角或一侧，有时倒能收到出其不意的震撼效果，所谓“法无定法”也。
人的审美情趣或艺术感觉，有时候说不清道不明。有的人学历不高，出口成诗；有的人学富五车，能言善辩，有时间逛商场却没兴趣看画展，拍出的照片惨不忍睹。但我相信，审美情趣或艺术感觉，不是谁从娘胎里带来的，而是后天习成的。平时我们说某某人有“艺术细胞”，那只是一种比喻性说法，并非某某人真的有这么一种异于他人的生理细胞。这种审美能力，是长期关注、熏陶和学习的结果，有适当机会则偶然显露罢了。上一篇所说的光圈、快门、感光度、白平衡之类的运用，那些技术层面的东西，新相机买来，一般人几个月就能熟练掌握，有的人几天后就能熟练使用了。而这里说的审美能力，却是需要长期积累的。“功夫在诗外”呢。
怎样积累？无他，做个有心人，时时留意就是。比如多观摩高手作品；虚心请教别人；有时间也读些美学理论；每次拍摄后对自己的照片作个分析，看看好在哪，缺陷是什么，怎样改进更好；等等。
为什么“功夫在诗外”？因为基础宽广，塔才能造得高。就事论事，眼界狭隘，难免受局限。艺术是相通的，古书法家不是有观舞剑而书艺大进的故事么？和摄影关系最密切的是绘画。不管是中国的水墨画还是欧洲的油画，起源都比摄影早得多，艺术作品丰富得多，艺术理论成熟得多。比如前面说的那个“黄金分割法”，就不是摄影师发明的，而是从美术界移植过来的。古今中外优秀画作中的构图、色彩、线条运用，都可以供摄影者借鉴。比照片更年轻的电影、电视，也有很多可借鉴的地方。看电影、看电视时，我们不妨在故事情节、人物刻划之外，也留意一下画面。我们会发现，电影和电视中常常会闪过一些非常美的画面，若定格下来就是很好的照片，这也是可以供摄影者借鉴的。看舞台演出也是同样。即使是诗词散文小说之类的文学作品，对提高自身艺术修养也是有益的。比如唐人诗句“大漠孤烟直，长河落日圆”，就是雄浑而绝美的文字画。大伙不妨在心里想像一下，若是用绘画、用照片来表现这诗句，你会怎样构图呢？
说了那么多，其实我自己拍的照片也不怎么样，大抵是属于眼高手低的那一类人。不过我相信，眼高手也高的高人，毕竟不多，不然，天才满世界跑，这个世界不会是今天这等模样了。眼高，才有手高的可能性，虽然真正实现这种可能的人很少。若是眼低的话，他的手会更低，因为他根本就不懂什么叫美，不会去朝正确的方向努力。若是有高人出来说，你这点眼光也不见得高，都是入门常识，不值一提，我接受。确实，艺术世界色彩缤纷，这些只是起步。不过，就算不搞专业艺术创作，就算只拍生活照、旅游照，有这点眼光，总比胡乱按快门，看起来令人舒服一些。我愿意继续学习，继续努力，和大伙一起共同提高。
